Video-reflexión posmodernidad

Primer contacto con el texto de Ricardo Marín

Tras entrar en contacto con el texto, me posiciono más sobre una enseñanza que sobre otra. Cierto es que la disciplina ha de aparecer en ciertos campos, aunque no de una forma tan radical, puesto que no habría diferencia sensitiva entre un "proyecto modelo de niño" y otro. La sociedad, el contexto implanta una serie de mandatos que, recibimos, acatamos y cumplimos, ya sea de manera directa o indirectamente, no por ello ha de dirigirse a un niño por el camino que nosotros estimemos sea el mejor, sino que el propio niño a de afrontarse desde temprana edad, a resolverse sus propias cuestiones, a buscar su sensibilidad y a definir su personalidad. Todo, por supuesto, se puede matizar. Es necesario que se fomente un clima de participación, en el que el niño sea creativo e ingenioso y que madure como persona única, diferente al resto, pero también son necesarias una serie de disciplinas, puesto que, en la sociedad en la que vivimos, el niño, una vez hecho hombre, se estrellaría con facilidad, no sabiendo afrontar un problema del cual no ha sido avisado.

El niño/a observa lo que hay a su alrededor, y lo representa bajo su visión y bajo sus posibilidades, éste es el clima, el grueso de la enseñanza modélica para mi, luego atendería además a la enseñanza de algunas posibilidades cognoscitivas para que el niño no solo fuese una potencia creadora infantil sino que además supiera utilizar ciertas técnicas, ciertas habilidades, para poder aplicar al primer núcleo, el núcleo de la experimentación personal, del bagaje propio, del bagaje individual. 

No me interesa en ningún caso que un niño sepa dibujar, pintar, modelar , etc. como Miguel Ángel, me interesa que primero se conozca a si mismo y luego utilice LAS CUALIDADES QUE QUIERA, A LIBRE ELECCIÓN, de los grandes maestros de la historia del arte, de éste mismo modo , y en ésta segunda fase, enseñaría las bases históricas, contextuales, en las que se ha asentado cada estilo artístico, pero nuevamente repito, tras esa primera fase de "autoconocerse" y expresarse con los medios propios que  el alumno elija libremente. En ningún caso me interesa que el niño haga un cuadrado perfecto, ni un círculo, si me interesa que sepa que existe, que sepa como es, pero no quiero que lo haga por obligación, por mandato, ni mucho menos que lo haga perfecto a menos que sea su condición personal.

Conclusiones de "La Ola" (C.Conceptuales)

El drama está teñido de una visión muy americana, una versión muy americanizada, eligiéndose claramente a un público de temprana edad, la atención de un publico que quizás de otro modo no hubiesen logrado captar. Desde el comienzo se ven las típicas relaciones entre jóvenes de un instituto en el que el chico con proyecto de hombre realiza más actividades con su fuerza física, mientras la chica pasa más a un plano intelectual, se aprecia en el momento en el que en el equipo de water polo no hay ninguna chica, solo son varones, ellas los ven y animan desde el exterior, pero no se implican, signo que quizás nos indique un retraso en la sociedad y enfatice sobre la idea de que siempre podemos volver atrás.

Aparece un símbolo que habla mucho de una dictadura, " La Ola", como aquello que arrasa con todo a su antojo, aquello que destruye para construir a su manera, aquella fuerza bruta y mañosa que trabaja en equipo, a fin de cuenta, una ola no es más que una gran masa de agua que va en una misma dirección, pero toda unida, si la separas, pierde fuerza, pierde poder. Por consiguiente, una pregunta que...tiene bastante peso, es que si en algún momento el profesor pensó en las consecuencias que atraería su proyecto; para lo cual hay y no hay respuesta. En ningún momento el profesor pensó que tuviera ese fin, dado que él sabía perfectamente que "La Ola" afectaba en las personas de manera diferente, pero dudo que supiese el problema, sin ir más lejos, que tenía el alumno enfermo, aunque si se estaba percatando, pero fue demasiado tarde. En cierto modo, a veces si que parecia gustarle el poder de una dictadura en sus manos.

La velocidad con que acontece la narración, es catártica, no obstante, es de fácil lectura. No se para demasiado por no aburrir, dado que de nuevo, parece ser encaminado el drama a un público joven, un público que ve velocidades mire hacia donde mire, un público al que no le gusta pensar demasiado, un público al que le gusta que le den las cosas masticadas. 

Tal y como está la situación en la actualidad, es de esperar que pueda haber otra dictadura en España, e incluso porqué no, otra guerra. En cierto modo, y como se comentó en clase, dentro de la misma democracia hay dictadura, sigue habiendo dictadura, siguen habiendo uniformes urbanos por los que somos identificados, seguimos recibiendo ordenes, que aunque tengan menos trascendencia, y sean más veladas, las recibimos y la acatamos (los medios publicitarios), tenemos figuras a las que "veneramos", hay realmente mucha ambigüedad.

He de decir que, es una terrible situación y una gran responsabilidad la que recae sobre hombros de una sola persona (de la figura del profesor), y que con que solo varíes una vocal un poco, ya lo cambia todo, que incluso sin variarla, el receptor es múltiple y las consecuencias por lo tanto son múltiples.

Conclusiones de "La Ola" (C.formales)

La narración se desarrolla entre una población joven, y nos habla desde una estética urbana, contemporánea y efectista. Continuamente estamos en "choc" entre primeros planos y planos generales (convencionales). Se observa una rapidez considerable en el desarrollo del argumento. Claramente se contrastan mucho las imagenes, enfatizando así el drama, las escenas aparecen por lo tanto inusualmente frías. Nos muestran en todo momento la vida de una dictadura, desde el uniforme, un saludo, las ordenes...hasta cómo los sentimientos individuales de cada personaje, pasan a aunarse configurando el sentimiento "La Ola". Fotográficamente se disponen los elementos jerarquizados en un encuadre convencional.

4ª definición. Nexo entre todas las afirmaciones sobre "ARTE"·.

Una vez expuestas las diferentes ideas sobre arte y lo que ésto implica podría llegarse a un nexo aunque en ningún momento certero, dado que, seria afirmar que ya se ha llegado a la verdad sobre éste a la respuesta, y como en las vanguardias se expuso, el arte no ofrece respuestas, solo preguntas, y cierto es que sigue siendo un interrogante. Un posible nexo sería el siguiente:
Digamos que arte; es aquella intervención, necesariamente humana, mediante la cual el artista (emisor) quiere transmitir un mensaje al espectador (receptor), eligiendo el vehículo más apropiado (medio), a fin de conseguir crear en el espectador contemplación ante la misma.
 "Sinclusiones" propuestas en clase:
1º- Es un concepto abierto, intracultural, controvertido y polisémico.
2º- Es el acto creador y su percepción/interpretación (contemplación)
3º-Concepto que necesita de la intervención humana (creación-contemplación- interpretación)

FrAntirst versus Tatarkiewicz

Cierto es, y he de reconocerlo, que mi visión sobre el concepto de arte y su contexto, ha cambiado, en parte, o mejor dicho a evolucionado, se ha enfatizado, tras leer éste fragmento de Tatarkiewicz. En clase, me oponía a la idea y a aquellos compañeros que afirmaban que, el arte es un producto mental, que en la naturaleza no podía existir arte sin una connotación mental, humana. Hoy puedo darme cuenta, de que si el arte es la experiencia de la vida, es experimentar la "novedad", tan mencionada en últimas instancias en el texto, éste seguirá vivo mientras las dichas experiencias sean posibles, es decir, mientras el ser humano pueda seguir teniéndolas, pero el día que éste ya no esté y pueda caminar pensando, la obra de arte, el arte en general, habrá muerto.
Evidentemente se aprecia una diferenciación monumental, entre la consideración de la obra de arte hasta antes de finales del XIX y posterior a entonces. Dicha diferenciación no es más que una evolución, un proceso evolutivo, que, como bien se dice, hasta antes del XIX era lento y pausado, y tras las vanguardias se precipitó el cambio. lo que más me llama la atención hasta antes de la fecha mencionada es la distinción entre obra productiva y obra expresiva, mencionando M. Rieser, que la primera configura el medio ambiente que rodea al hombre, y que la segunda expresa su vida interior, ciertamente eso parece haber existido siempre, y sigue existiendo a día de hoy, artistas se expresan desde el interior o bien para expresar contenidos del grueso exterior o bien para expresar su propio aforo interno, también ha existido siempre la figura de aquel que observa para reproducir el entorno en que nos encontramos. Hay algo que si me pone en desacuerdo, parcialmente, se menciona que el arte es una actividad humana, hasta ahí de acuerdo, no producto de la naturaleza, que es una actividad consciente, pero lo que me choca excesivamente es que se tache al azar. Dadá configuraba toda su obra por manos/mentes azarosas, mentes que si sabían que estaban haciendo, pero que igualmente no sabían cual iba a ser el producto.
Por otra parte es lógico que las vanguardias tuvieran tanto éxito, eran novedad, era no saturación de lo expuesto durante los diecinueve siglos anteriores, era como se menciona esa revolución permanente que hoy día sigue vigente, que hoy día se sigue buscando.
En clase de historia de la pintura, Mercedes afirmó que, dicha revolución abarca conceptos que antes no eran pensados, como por ejemplo lo es el espacio, ahora un artista cuenta con el espacio en su obra de arte, anteriormente un artista producía un cuadro indistintamente de su ubicación (pueden haber excepciones), con ésto me refiero a que, hasta antes del siglo XIX se conformaron con la misma "MIERDA" de siempre, sus cabecitas estaban cerraditas al espacio visual exterior, dedicándose, no a ser artistas, sino buenas cámaras digitales con impresoras incorporadas, pero es necesario entenderlo como arte dentro de la sumisión  por el gusto de la mayoría, ahora realizo una obra y puede gustarte o producirte otra sensación, distinta a la de mero  éxtasis visual de "belleza" ideal artística.
Con todo ésto vuelvo a mencionar lo ya expuesto mirando hacia el texto de María del Corral, señores avancemos, continuemos, el siglo XVI ya pasó, no pretendamos ser un Velázquez, ni un Miuel Ángel, al igual que tampoco pretendamos ser un Picasso, eso ya está inventado, busquemos de nuevo, como menciona Tatarkiewicz, la novedad, sigamos revolucionando el arte, hagamos cosas nuevas, expresémonos como nadie lo ha hecho antes, seamos originales.

FrAntirst versus María del Corral

Inicialmente he de decir que, no nos hemos alejado, hablando como conjunto que somos la clase, de lo que ésta mujer expone, ella en última instancia habla de dos formas de ver el arte: la primera; "como colección de obras maestras" y la segunda; "como proceso creativo que refleja la vida.Ciertamente en clase, se habló de ambas cosas, unos comentaban que el arte en sí era la vida, la experiencia que deriva de y con ella, y para otros la idea de arte se veía reflejada en la minuciosidad academicista que componía una obra "maestra", ambas cosas igualmente son arte, son el reflejo de la idea que se ha de transmitir en éste campo tan "ambiguo" y dispar.
En mi caso, hablé más de la segunda manera que María del Corral comenta durante toda la exposición, ese proceso vital, como reflejo de la idea del arte. Es cierto que durante todo el discurso, curiosamente me da a entender que arte es aquello que, encuadrado en un contexto político y sociocultural, se verá modificado hasta la saciedad. Por lo tanto, ninguna idea deja de ser arte, todo es arte. Alguien hizo en clase la referencia, sarcástica, de coger un blog y ponerlo sobre la mesa, comentando que si todo acto, toda incisión, toda intervención podía ser llamado arte, eso que acababa de hacer también lo era, bajo mi punto de vista es correcto, es arte, esa persona hizo una intervención en un momento específico y dentro de un contexto, y en ese momento estipuló y todos pudimos acompañar para con esa idea.
María del Corral, comenta que el arte contemporáneo se posiciona más sobre la idea de "arte como instrumento de convivencia que de entretenimiento", Fran Maya Guerrero está totalmente de acuerdo, aunque eso no implica que el arte como entretenimiento deje de ser arte o pueda relegarse a un ultimo escalafón, simplemente que estamos en el siglo XXI, no en el XVI, y como la misma autora comenta "hay que hacer arte que tenga sentido en éste nuevo contexto", en el contexto en el que nos encontramos actualmente y en el que se encontraron nuestros recientes antecesores. El arte no puede quedarse estancado siempre en lo mismo sitio, el siglo XVI ya pasó, ya fue, vivamos por lo tanto el presente, el siglo XXI que nos ha tocado, si el artista ha tratado recientemente de "buscar explicaciones y respuestas ante el desafío de un nuevo mundo, de un nuevo contexto" no seamos retrógrados y avancemos, desarrollemos, evolucionemos, el chaman, como ella dice, quedó atrás.
En cuanto a enseñanza sobre éste campo, creo que, con todo lo que acabo de decir es más que suficiente. Nuevamente, busquemos, evolucionemos, vivamos el momento presente, nuevos modelos de enseñanza, que rejuvenezcan a los profesores que dejaron anticuados bajo un sistema de enseñanza del siglo pasado o el anterior, que prime la idea de acción vital, de la enseñanza del arte como la experiencia de la vida misma, y que releguen a un segundo plano tantos conocimientos técnicos que finalmente nos convierten en robots y no en personas. SENSIBILIDAD!